Comicópolis 2014: Invitados Internacionales

Desde el 18 y hasta el 21 de Septiembre se realizará en el predio de Tecnópolis la segunda edición del evento Comicópolis (toda la información del mismo se puede encontrar aquí: Link). En su primera edición el evento contó con la participación de múltiples invitados locales y de la región (por ejemplo, Carlos Nine, Ariel Olivetti, Quino, Eduardo Risso, Renato Guedes) e internacionales (David Rubín, Joos Swarte, y especialmente Bill Sienkiewicz). Este año la apuesta es mayor, y mi objetivo del día es comentar un poco algunos de estos invitados y sus principales hallmarks.

Guy Delisle

Este historietista (porque es un autor integral, tanto guionista como dibujante) es canadiense pero vive en Francia. Bueno, vive es muy amplio. En realidad vive por todos lados. Ha pasado meses y hasta años enteros viviendo en diversas partes del mundo, conociendo desde adentro el día a día de países exóticos. Su obra más destacada es Pyongyang (2003), un relato de los días del autor viviendo en la capital de Corea del Norte, un país bastante cerrado al mundo, regido por una dictadura totalitaria comunista, basada en la figura de su gobernante Kim Jong-Li. La forma en que se relatan los detalles cotidianos, la relación del protagonista con la gente local, extranjera y hasta con la arquitectura de la ciudad son los puntos claves de la obra. El dibujo de Delisle es simplista, lo que queda muy acorde con el tono de la novela. Uno termina encariñándose con el día a día del personaje (que no es más que el propio Delisle). Para los locales, tiene muchas cosas que recuerdan a Liniers.

Otros tres trabajos del autor tienen el mismo tono: Shenzen (2000) (China), Crónicas de Jerusalén (2011, Chroniques de Jérusalem) (Israel) y Crónicas birmanas (2008, Chroniques birmanes) (Myanmar). Tiene otro trabajo en el mismo tono, pero con otra premisa: Guía del mal padre (2013, Le guide du Mauvais Père). Muchos de los viajes de Delisle se deben a su trabajo como animador y el trabajo de su pareja en Médicos sin Fronteras (Médecins Sans Frontières).

Muy recomendable y destacable el trabajo de este autor que combina el periodismo, la autobiografía y el comic book. 

Kyle Baker

Este autor estadounidense es un tanto extraño. También suele realizar obras integrales, como guionista y dibujante, pero no considero que esté a la misma altura en cada una. En lo personal prefiero su trabajo como guionista. Sus dibujos tienen un estilo cartoon, a veces algo desacorde con los relatos. Salió a la luz con una muy buena novela titulada Why I hate Saturn (1990), bajo el subsello Piranha Press, de DC Comics. Esta novela cuenta la historia de Anne Merkel, una escritora alcohólica que vive quejándose por su mala suerte para conseguir pareja, una especie de sitcom. Pero un día aparece su hermana, que dice ser la "Queen of the Leather Astro-Girls of Saturn" y comienza una serie de hechos conectados que van cambiando la forma en que la protagonista ve el mundo. Considero que es su mejor laburo y el mejor dibujado. El toque de comedia sarcástica, los diálogos y la personalidad de la protagonista están muy bien logrados. 

Otro trabajo destacado del autor es I die at midnight (2000), para Vértigo, relacionada al último día del siglo, con un protagonista que intenta suicidarse ingiriendo una pastilla, pero se arrepiente y tiene pocas horas para conseguir un antídoto. Todo relatado en un estilo muy particular, sin globos de diálogo, sino mas bien como una revista de imágenes con epígrafes. Peculiar.

Tiene una pequeña historia que es la más atractiva para mí, Lester Fenton & the Walking Dead (1992), dentro del segundo número de Fast Forward, una revista antológica de Piranha Press. Trata sobre zombies, sí, pero en un sentido cómico y bien narrado, como un background para el desarrollo de Lester Fenton, un adolescente que consigue una cita para el baile con la animadora, el mismo día que su padre revive junto a otros zombies que deciden (sí, deciden) atacar a los jóvenes que van al baile.

Baker también es reconocido por su trabajo en The Shadow, serie de DC Comics de finales de los '80 con el clásico personaje de las novelas pulp de los años '30. Coguionizó junto a Victor Gischler Deadpool: Merc with a Mouth (2007) y Deadpool Max (2010-2012) junto a David Lapham, entre muchas otras cosas donde también ejerció como dibujante.

Norm Breyfogle

El estadounidense es uno de los dibujantes más emblemáticos de Batman, dónde entre 1987 y 1993 dibujo para Detective Comics, Batman y Shadow of the Bat, casi siempre acompañado por el guionista Alan Grant. En Argentina es especialmente recordado porque aquella época del murciélago salió editada por Perfil a principios de los '90, en uno de los primeros emprendimientos editoriales sobre cómic americano a gran escala. El Batman que dibuja Breyfogle es claro, preciso, dinámico, oscuro sin ser negro y muypoderoso, todo a la vez. Para mi es uno de los diseños más logrados del personaje, con todos los detalles icónicos y mucho movimiento. Junto a Alan Grant escribió grandes historias del personaje, como Anarky in Gotham City (con la creación de Anarky, un intento de nuevo Robin, y a la vez homenaje a Alan Moore), The Mud Pack, Tulpa (con Etrigan), Rite of Passage (donde desarrolla al tercer Robin, Tim Drake) o The Idiot Root. También participó en el crossover Knightfall. Otra de sus creaciones es el villano Ventriloquist, un gran añadido a la pintoresca galería de villanos de Batman. También realizó miniseries y unitarios con el murciélago como Holy Terror, Birth of the Demon, Brotherhood of the Bat, entre otros. En fin, es EL dibujante de Batman de los '90. 

Fuera de éste personaje hizo varios laburos para DC, pero destaco una pequeña historia en Marvel, en Marvel Fanfare #29 (1986) titulada simplemente "Story", donde aparece como guionista y dibujante. La historia de sólo 8 páginas incluye a un Captain America que sin obviedades ni palabras le cambia la vida a dos niños. 

Peter Milligan

El inglés Milligan fue uno de los más prolíficos autores de Vértigo. Creo personajes, historias, desarrollo series del sello hasta constituir quizás uno de los guionistas insignia de aquel submundo. Historias con gore, aventura, sangre, vueltas de tuerca, pero generalmente con mucha inteligencia. Voy a mencionar un par de sus trabajos por los que tengo particular cariño, empezando por The Eaters (1995), un pequeño unitario sobre una familia de la campiña, con un particular hábito: alimentarse de carne humana, Milligan la rompe contando las pequeñas complicaciones que esta costumbre caníbal le genera a una familia nuclear típica. Otro trabajo del autor para Vértigo es Pop! London (2003), donde un músico casi retirado cambia de cuerpo con un joven aspirante a rocker con poco talento para tratar de volver a vivir sus épocas de sexo, droga y rock & roll. Lo que no resulta muy sencillo, ya que, entre otras cosas, el joven había comenzado una relación con la hija del protagonista. También en Vértigo, Milligan continúa muy dignamente el trabajo de Grant Morrison en la serie de Animal Man (#27 a 32, 1990-1991), tomando un camino totalmente distinto, mas surrealista y dándole al personaje algunos agregados que siguen vigentes hasta la actualidad. Fue el último escritor de Hellblazer, durante 50 números, antes de la finalización del título en 2013. 

Para el universo New 52 de DC creo y escribió a la Justice League Dark (2011-2012) durante doce números en los que toma muchos conceptos del antiguo Vértigo (las House of Mystery and House of Secrets, junto a personajes como Zatanna, John Constantine, Black Orchid, Madame Xanadu, Deadman, o su creación, Shade) creando una historia muy interesante y destacable dentro de este relaunch. También escribió algunos números para personajes como Batman, Robin, JLA, Red Lanterns, Tank Girl, incluso en Marvel con Cyclops & Phoenix, Archangel, Magneto, Wolverine, Elektra, Spider-Man, Punisher, Thor, Moon Knight. Su gran creación para Marvel fue el grupo X-Statix (que comienza en X-Force #116-129 y sigue en la propia serie X-Statix #1-26, 2001-2004), junto a Mike Allred. Se trata de un grupo de mutantes que no buscan salvar al mundo gratis, sino como parte de un sangriento reality show. Incluye manijeo entre productores, decisiones basadas en rating, relaciones homosexuales serias, salidas del clóset, muertes al por mayor, viajes psicodélicos, delirios de fama, etc. Incluye también la muerte de todos los personajes en su primer número, y la creación de Doop, uno de los grandes personajes de Marvel del presente siglo.  Podría seguir durante horas relatando trabajos de Milligan, pero esto ya quedó bastante largo. 

Estoy ignorando para no irme al carajo a otros como Rafael Albuquerque (American Vampire, Animal Man); Joe Sacco (Palestine, en el mismo tono periodistico de Guy Delisle) y Thomas Ott. Tampoco quiero dejar de mencionar a los regionales Robin Wood (Dago, Nippur de Lagash); Liniers (Macanudo); Quique Alcatena (Batman, Acero Líquido, Flash, Transmundo); o el gran Horacio Altuna (El Loco Chávez, Las Puertitas del Señor López), entre un montón más. Lo único que me queda es decir que vayan a Comicópolis!.

Seaguy (Vértigo, 2004): Yellow Submarine & Mickey Mouse mixture

Ya comenté acá un par de cosas de Grant Morrison (Batman Inc., All Star Superman), que está en mi podio de artistas del noveno arte. Grant Morrison es un genio, no puedo discutirlo. Cada obra suya que leo me convence más. Algunos tienen más laureles (como su trabajo en Batman, Doom Patrol, Animal Man o la mencionada All Star Superman) y otros pasan más desapercibidos para el público general (Kill your Boyfriend, Skrull Kill Krew, Marvel Boy), pero incluso en estas obras, el pelado se esmera y saca lo que más le gusta. En esta oportunidad me cruce con uno de sus laburos menos mencionados: Seaguy. Esta serie la hizo durante 2004 bajo el sello Vértigo (el sello "adulto" de DC Comics, lugar donde nacieron quizás los mejores cómics de la década del '90).

Seaguy & Chubby, el Atún flotante fumador

Primero debo confesar algo: no le entré a las buenas cosas de Vértigo hasta hace muy poco. No tenía idea de lo que me perdía. El aura de sello "adulto" que tienen muchos de sus cómics no tiene nada que ver con Seaguy. Empecemos por el argumento. Seaguy trata de un superhéroe, o un intento de superhéroe, en un mundo donde los superhéroes están retirados hace rato, luego de una gran batalla (dónde incluso murió el más grande todos, "Technostrich"). Seaguy se pasa el día aburrido junto a su fiel compañero, Chubby, un atún flotante fumador de habanos que odia el agua. HERMOSO. Con ese contexto, empieza la aventura de Seaguy, que consiste justamente en eso, buscar una aventura (con un pequeño aliciente, la presencia de una mujer barbuda que es el objeto de deseo del héroe, pero ella está esperando a un hombre que demuestre su valor).

Portada de Seaguy #2

Seaguy se embarca en una aventura que lo va a llevar tras un extraño misterio detrás de la Luna, al continente perdido de la Atlántida y a descubrir la verdad tras el misterioso "Mickey Eye". De todo. Para tirarles un poco de idea de por donde va el argumento, estos son los títulos de los tres episodios: "Run, Xoo! Run!" (¡Corre, Xoo, Corre!); "The Wasps of Atlantis" (Las avispas de Atlantis) y "Mummy on the Moon" (Momia en la Luna). Imperdible.

Todo el arte tiene un gran componente caricaturesco, los dibujos de Cameron Stewart te hacen sumergirte en un gran dibujo animado, pero dentro de un mundo completo. Si bien su estilo no es superrealista y tiene un toque caricaturesco, suele ser algo más detallista. En esta oportunidad la vertiente "caricatura" se encuentra algo reforzada por el dibujante, en conjunto al colorista, para mejorar el efecto sobre la historia. Existe una linda edición tipo cartoné que recopila toda la obra, en castellano, de Planeta DeAgostini (que no tengo idea que tan difícil sea de conseguir, yo me la crucé de casualidad).

Mientras escribo esto, me entero que existe una continuación "Seaguy: Slaves of Mickey Eye", de 2009, y que Morrison planeaba hacer una trilogía (Seaguy: Eternal sería la tercera parte) que no encontré si llegó a salir. Ya quiero ver como sigue.

Seaguy y Chubby se aburren, mientras miran
dibujos animados por televisión.

Seaguy es pura psicodelia, un toque de aquel submarino amarillo de los Beatles con la mas bizarra caricatura del ratón Mickey. Una mezcla de las cosas increíbles que pueden surgir de la cabeza de Morrison unido a la capacidad de adecuarse de Stewart. Este cómic escapa de cualquier estándar de la época, y solo puede explicarse a partir del autor.

Seaguy jugando al ajedrez con la Muerte.
Sí, la Muerte también es personaje en la historia.

Spider-Man: Blue

Spider-Man: Blue fue una miniserie editada entre 2002 y 2003, escrita por el discutido Jeph Loeb (autor un tanto dispar, amado y odiado por igual por los fans y la crítica) y dibujada por Tim Sale. Esta miniserie relata en un tono de remembranza y melancolía la historia de la relación de Spider-Man con Gwen Stacy, aquel gran amor de Peter Parker que muere trágicamente a manos del Duende Verde en 1973. Se ubica dentro de un plan de miniseries "coloridas" de estos autores ubicadas en los comienzos de la carrera de algunos personajes (Daredevil: Yellow, Hulk: Gray). Hablando específicamente de la idea... es muy poco original, para 2002 ya teníamos multitud de historias que revisaban las primeras épocas de Spider-Man, de las relaciones con sus amigos, conocidos, villanos, JJ Jameson, Tía May y, más que nada, con Gwen (y su muerte). ¿Hacía falta volver a revisar la relación entre Peter y Gwen? La verdad, no. Pero si uno llega con esa idea al primer número de Blue, se lleva una gran sorpresa.

Spider-Man: Blue #5
La magia de los
maravillosos lápices
de Tim Sale

Es probable que Jeph Loeb haya nacido para contar este tipo de historias donde se revisan desde un punto de vista poco tradicional los aspectos más humanos de los personajes (no es una gran deducción, conociendo otras obras destacadas del autor como Superman For All Seasons -que tendrá pronto una reseña por este blog-). Loeb logra un relato que repite cosas ya contadas por Stan Lee, Steve Ditko y John Romita Sr., incluso repitiendo diálogos, y agregando alguna que otra cosa (e ignorando algunos detalles cronológicos incluso), pero, sin embargo, querés seguir leyendo, sabiendo lo que va a pasar, sabiendo como sucedieron las cosas entre Peter, Gwen, Mary Jane (y Harry Osborn, incluso). Una especie de drama adolescente, que podría competir con cualquier serie del estilo, pero con Spider-Man en el medio (y Rhino, Lizard, Vulture...).

Gwen, invitándote, en Spider-Man: Blue #4

Tim ditkotizado, #5

Tim Sale es el mejor acompañante de Loeb en estas historias. Este dibujante se destaca por sus trazos suaves que dejan fluir la historia, y sus rostros hacen que los personajes salgan de las viñetas, que puedas ver las lágrimas cayendo, o cuando se ruborizan, sin que eso necesariamente esté dibujado. Los rostros de TS generan sensaciones, hace creer que estás viendo una serie con buenos actores. La forma en que dibuja los ojos y las sonrisas de Mary Jane y Gwen logran enamorar al lector, que remite a su juventud, a su adolescencia, al instante. Y las portadas que hizo para este cómic son de lo mejor de su carrera a mi criterio, simples e impactantes. Si bien no es un dibujante que se destaca por las escenas de acción, en este caso se permite incluso un homenaje a Ditko.

Spidey se aleja de
MJ... portada del #3

Algunos fanáticos pueden quejarse de los problemas cronológicos que incluye la historia, al narrar hechos ya narrados de una forma algo distinta, pero el recurso narrativo que introduce Loeb salva ese pequeño detalle, y añade un gran tono a la historia: el relato es contado por Peter Parker en su grabadora, como él lo recuerda, hablándole directamente a Gwen (una Gwen que ya dejó el mundo tiempo atrás). La carga de emotividad va subiendo viñeta a viñeta, hasta que logra justificar el "Blue" del título, y da ganas de volver a leerlo, pero esta vez poniendo como soundtrack algún viejo tema blusero, de esos bien melancólicos. Y Loeb no termina la historia de la manera obvia. Cuando el lector cree anticipar el final, y se espera algún salto temporal hasta la muerte de Gwen, Loeb termina el relato en el mejor momento. Y enmarca perfectamente el triángulo Gwen-Mary Jane-Peter (triángulo, pero no necesariamente triángulo amoroso).

Y llega, despampanente, Mary Jane
mientras Sale recuerda a Romita en
el número #2

Otra cosa que me hizo pensar este serie es en la mitología. No se discute que la mitología moderna, encarnada por los superhéroes, surge dentro de los cómics de DC Comics. Aquellos personajes encarnan los mitos creadores, los dioses primigenios de la antigüedad. Pero como los mitos antiguos dejaron paso a las mitología más rebuscada de los relatos griegos, DC dejó pasó a Marvel, el lugar donde los dioses no son perfectos, y poseen defectos muy humanos (sí, me fui un poquito al carajo comparando a Zeus con Peter Parker, pero se entiende lo que quiero decir no?). Y pensándolo de esa forma, es muy lógico que Spider-Man sea el ícono por excelencia de Marvel.

Y para cerrar... imposible no sentir un cosquilleo en la
espalda, si Gwen logró hacerte sonreír.

Defendiendo el ideal desde 1941: Cronología y recomendaciones sobre el Capitán América

El Capitán América siempre fue un personaje difícil para el público, especialmente por ser incomprendido. Nacido en medio del mayor conflicto bélico de la historia del mundo, es un hijo de unos ideales que estaban por encima incluso de las motivaciones de aquella guerra. Saltando de la página para golpear al Führer, Steve Rogers se convirtió rápidamente en la encarnación del ideal de una nación, un ideal tan puro y solemne que por si sólo trascendía los colores de su bandera. Pero ahí quedó, optó por llevar esos colores como uniforme, y para el resto del mundo, el Capitán América se transformó en el epítome de la personalidad estadounidense para el resto del mundo. Pero los guionistas y dibujantes que estuvieron a cargo de sus aventuras nunca lo vieron de esa forma, por suerte. La incomprensión que envuelve al personaje surge mayormente de la ignorancia acerca de su historia. Por eso este post, para invitar a los posibles lectores a recorrer un poco de su historia y conocer un poco más del personaje emblema de la historia de Marvel Comics. Este artículo funciona como una especie de resumen o índice a desarrollar con suerte en futuros posteos más detallados.

-El Origen: Captain America Comics #1 (1º Historia) (1941)

Captain America Comics #1
Con todo contra el bigotito
más famoso de la historia

La primera aparición. Mil veces repetida, mil veces recontada, pero siempre hay que recurrir al original, al origen como lo plantearon Joe Simon y Jack Kirby, con el Proyecto Renacimiento, el Bucky original, el suero, etc. Especialmente para verlo bajo la luz de las revisiones posteriores como la de Brubaker.

-Entrando en la Era Marvel: Avengers #4 (1964)
La vuelta de Steve Rogers durante la Era Marvel de los cómics, de la mano de Stan Lee, rescatado del hielo ártico. Y de paso, contando la muerte de Bucky, el jóven compañero del Cap, le dan otra motivación al personaje.

-Las bases: Tales of Suspense #72 a 99 (2º historias) (1965-1968)
Esta etapa de Stan Lee y Jack Kirby (con algún John Romita Sr. intercalado) son la esencia del personaje en la Silver Age. Las bases que se ponen para el futuro: el conflicto con la muerte de Bucky, los Durmientes (unos robots al mejor estilo japonés, hoy algo näive, pero increíbles viéndolos en contexto), la vuelta de Cráneo Rojo, el Cubo Cósmico, Peggy y Sharon Carter, Modok, AIM, Batroc. Todo eso está acá. Y en pequeñas dosis de ocho páginas, en la revista antológica que compartía con Iron Man para aquellas épocas.

Captain America #100
Rogers se mete con
todo en la Era Marvel

-El 4º Durmiente y los Exiliados Captain America #100-104 (1967)
La saga del 4º Durmiente y los Exiliados aún con Stan Lee y Jack Kirby. Steve Rogers comienza a protagonizar su propia serie, con un recuento de su origen y el enfrentamiento al nuevo Durmiente de Cráneo Rojo, y la aparición de la Isla de los Exiliados, un grupo de Nazis de la actualidad.

-Doctor Faustus: Captain America #107 (1967)
Un pequeño numerito de Lee/Kirby donde hace su aparición el Doctor Faustus, uno de los mejores villanos del Capi, y uno de los menos usados en relación a su relevancia.

-Captain America de Jim Steranko: Captain America #110-111 y #113 (1967)
En tres pequeños números, los dibujos de Jim Steranko lleván a Rogers a otro nivel. Supremo. Una saga con la aparición de Hydra, Madame Hydra y el intento de Rick Jones reemplazando a Bucky. Morboso.

-La llegada de Falcon: Captain America #115-119 (1969)
En estos números, con el ataque de Cráneo Rojo y el Cubo Cósmico, aparece por primera vez Sam Wilson, quién se convertiría en el compañero definitivo del Capitán América, incluso más que Bucky a mi criterio. Estos números no paran en ningún momento, es acción sin pausa. Por Stan Lee, John Buscema y el magnífico Gene Colan.

-Captain America de Steve Englehart (incl. la Saga del Capitán América de los '50, la Saga del Imperio Secreto y Nómada): Captain America #153-167 y #169-186 (1972-1975)

Captain America #176
Dejando todo atrás

Todo el run de Steve Englehart como guionista del Capi cambia la visión sobre el personaje. Hasta el momento, más allá de las referencias al nazismo y la 2º Guerra Mundial, ningún guionista había tomado la posta del personaje como símbolo de una nación o un sistema político. Englehart, que por aquellas épocas era un jóven activista, bastante distinto ideológicamente a Stan Lee o Jack Kirby, se propuso explorar estas facetas del personaje, empezando por enfrentarlo a la triste encarnación que Stan 'The Man' escribió en los '50 (como un enemigo fanático de los rojos comunistas, que luego el mismo Stan Lee ignoró) y luego con la conocida Saga del Imperio Secreto, donde Rogers descubre una conspiración profundamente metida dentro del gobierno norteamericano, con muchas referencias al escándalo Watergate. Esto lleva a Steve a replantearse su papel como símbolo de la nación, y opta por dejar al Capitán América y pasar a la identidad de Nómada.

-La Saga de la Bomba Loca: Captain America #193-200 (1976)
Jack Kirby vuelve como guionista y dibujante de su personaje, intentando cambiar completamente la visión del mismo, volviendo a su faceta aventurera (y algo republicana...) con esta saga, totalmente opuesta a la de Englehart, con un planteo parecido, enfrentando también a una conspiración, pero esta que esta vez no se mezcla con los gobernantes, y trata de destituir la democracia. Toda esta saga se acopla a los festejos del bicentenario de la independencia de los Estados Unidos.

-La Muerte de Sharon Carter: Captain America #231-233 (1979)
En una breve saga enfrentando al Capitán contra el culto fanático del Gran Dictador (un villano que daría que hablar), Roger McKenzie se limpia a la eterna novia de Rogers sin mucho ruido, en una de las mejores decisiones argumentales sobre el personaje en años.

Captain America #250
He's the people choice!

-Captain America de Roger Stern: Captain America #247-255 (1980-1981)
Junto a John Byrne, Roger Stern replantea nuevamente a Rogers como un héroe de acción, lo aleja un poco de los Avengers, le da toda una nueva galería de secundarios y villanos, incluyendo al Forjador de Maquinas y Bernie Rosenthal, la que sería la nueva contraparte femenina de la historia, algo totalmente distinto a la sumisión de Sharon Carter. También en este run se incluye la tentativa de Stern de llevar al Capitán por las vías políticas, con la propuesta del mismo como presidente de Estados Unidos, una saga que debido a la conclusión preferida por la editorial, llevaría al guionista a alejarse de la serie.

-La muerte de Cráneo Rojo: Captain America #290-301 (1984)
J.M. DeMatteis en una larga saga genera toda una serie de agregados interesantes para Red Skull, como las Sisters of Sin, Mother Superior, da fuerza al personaje del nuevo Nomad (Jack Monroe) y al final de la saga, luego de atravezar un camino espinoso y profundizarlo, limpia al mundo de Rogers de su mayor villano.

-Captain America de Mark Gruenwald: Captain America #307-443 (1985-1995)

Captain America #332
No more!!

La etapa de Gruenwald en el personaje es complicada de explicar. Fue larguísima, diez años, y casi 150 números. Tuvo de todo. Grandes aportes, con villanos como Flag-Smasher, Crossbones, la Serpent Society y el regreso de un Red Skull en interesantes condiciones, secundarios como el Superpatriota (el posterior USAgent), el Hombre D, Diamondback (la nueva "novia" de Steve, una villana, a mi parecer el mejor aporte de Gruenwald), etc. Incluyó historias poco originales como la Saga del Capitán (#332-350) y otras más importantes, como el enfrentamiento contra el grupo Ultimatum (#320-322), donde jugaba con la moralidad del personaje. Lamentablemente también incluyo cosas como "Cap-Wolf" o la armadura del Capitán América las cuales son preferible olvidar.



-Captain America de Mark Waid I: Captain America #444-454 (1995-1996)
Para olvidarse completamente de los últimos tristes pasos de Gruenwald, Marvel la pegó poniendo al frente de la serie al mágico Mark Waid. Y lo primero que hizo Waid fue ignorar todo lo que venía haciendo Gruenwald (incluyendo tramas, secundarios poco memorables, etc). En dos sagas, Waid vuelve a traer a Sharon Carter con una personalidad totalmente distinta, al Red Skull clásico, el Cubo Cósmico, SHIELD, y lo hace un aventurero al mejor estilo Waid. Con Ron Garney en los dibujos, un poco fuera de su mejor trabajo acompañando. Lamentablemente a Marvel se le ocurrió la magnífica idea de cortar esta etapa con esa histórica idea de "Heroes Reborn", y le dio la serie a Rob Liefeld....

Captain America Vol 3 #1
Con la estrella brillando

-Captain America de Mark Waid II: Captain America Vol 3 #1-24 (1998-1999), Captain America Sentinel of Libery #1-12 (1998-1999)
Por suerte se dieron cuenta de la cagada y le pidieron a Waid que volviera a escribir al personaje, y Mark volvió con todo, y con un Ron Garney recargado (que se dio cuenta que la estética Liefeld era horripilante) y le dan a Rogers la que es quizás su mejor etapa como personaje unitario. Sharon, SHIELD, Hydra, Batroc, AIM, Red Skull, Cosmic Cube, y locuras bien logradas como Nightmare, Skrulls, Klaw y la pérdida del Escudo del Cap. Y con la serie secundaria Sentinel of Liberty, Waid hace lo que mejor sabe: recuperar conceptos e historias previas y revisarlas bajo su ojo. Vale la pena.

Captain America Vol 3 #1
Fight Terror!!

-Enemy: Captain America Vol 4 #1-3 (2002)
La siguiente etapa del personaje es algo complicada. Estamos en la post-caída de las torres, y se ve que los
norteamericanos necesitaban otra faceta. Por suerte, John Rieber y John Cassaday no caen en los cliches y abordan el tema del terrorismo deste otro punto de vista, algo inesperado para lo que el público común esperaría del personaje, pero totalmente congruente con la historia del mismo. Siguen un par de sagas más, con Chuck Austen y Robert Kirkman como guionistas, entre otros, pero no muy memorables.



-Captain America de Ed Brubaker: Captain America Vol 5 #1-50, 600-619, 615.1, Captain America Reborn #1-6, Who Will Wield the Shield?, Winter Soldier: Winter Kills, Captain America & Bucky #620-632, Captain America Vol 6 #1-10, Captain America 65th Anniversary Special

Captain America Vol 5 #1
Out of time!

Brubaker arranca con todo, y lleva su etapa en el Capitán América magistralmente desde el comienzo. Se carga a Red Skull en el primer número, reintroduce a Bucky sin que nadie pueda criticarlo, genera acción y entretenimiento, al mismo tiempo que homenajea a otros autores como Stan Lee, Kirby, Steranko, Gruenwald o Roger Stern. Brubaker mata a Rogers al final de la Civil War y sostiene la serie por mas de veinte números sin su protagonista. Bucky Barnes, Sin (la hija de Red Skull), Crossbones, Black Widow, Falcon, y varios otros personajes son parte del repertorio del guionista. Imprescindible para entender el contexto actual del personaje. Muchísimos números de este autor, hasta pasarle la posta a otro gran guionista como es Rick Remender, que en la actualidad está optando por otra faceta para el protagonista.



Algunas historias sueltas que valen la pena:

-Marvel Fanfare #18 1º Historia (1985) de Roger Stern y Frank Miller.
En pocas páginas, Stern y Miller te cuentan porque el Capi es el símbolo de un concepto, de la idea de democracia, y no del gobierno de los Estados Unidos.

-Captain America Annual #13 (1994)
Roy Thomas en una historia con tono clásico revisan el simbolismo del personaje, su relación con Red Skull, y la investidura de Hitler, tanto para Rogers como para el villano, con un final más que interesante.

-Truth: Red, White & Black #1-7 (2003)
Miniserie que cuenta la historia del Capitán América negro. Vale la pena.

-Captain America: Man out of time #1-4 (2011)
Mark Waid vuelve al personaje para revisar, luego de la actualización de Brubaker, uno de los leitmotiv planteados por Lee: el personaje fuera de su tiempo, algo que será explotada en la segunda película del personaje.

-Captain America #600 (2009)
Este número especial posee varias historias, dentro del run de Brubaker. Recomiendo especialmente "The persistence of Memorabilia", escrita por Mark Waid.

Batman: Arquitectura mortal (Batman: Death by design)

Recomendación:

Batman: Arquitectura mortal (Batman: Death by design) (DC, 2012). 

Me gusta hacer este tipo de reseñas ni bien acabo de terminar de leer o ver lo que estoy por reseñar dado que me gusta esa sensación que queda después de leer o ver algo que me gusto mucho, esas ganas de recomendarlo, esas ganas de hablar de la historia, de que me gusto, de que no me gusto, que le cambiaría, que no. Es como cuando a la salida del cine escuchamos a las personas comentando la película que acaban de ver. Batman Arquitectura Mortal dejo esa sensación en mí, porque realmente me gusto mucho. No es mi intención hacer solamente revisiones de cosas que me gustan, en algún momento me voy a poner intolerante y voy a hablar de las cosas que no me gustan también. Volviendo al comic, la historia es simple, un poco lineal y predecible, pero así y todo muy entretenida. Yo me imagine el giro cuando llegue a la mitad del comic pero eso no impidió que yo quiera seguir leyendo y ver como se resolvía el conflicto principal. 

Portada de Batman: Arquitectura Mortal. Un comic más que recomendable.

La historia gira en torno a la antigua estación de ferrocarriles de Gotham, la cual está por ser demolida debido a su pobre estado de conservación y su abandono, y se planea construir en su lugar una nueva estación diseñada por un arquitecto europeo. El proyecto lo está llevando adelante el mismísimo Bruce Wayne, ya que su padre fue el que encargó la primera estación. En las primeras páginas podemos ver como durante el anuncio de Wayne sobre la demolición de la estación original una grúa se desestabiliza y se derrumba en el centro de la ciudad. Esto nos da la pauta de a que deberá enfrentarse Batman cuando intervenga: A los edificios de la ciudad de Gotham. Una persona se opone fuertemente al proyecto de Wayne: Cyndia Syl, una millonaria que no quiere que la estación sea demolida porque la considera una obra de arte y porque piensa que aun se puede restaurar. Para esto busca convencer a Bruce Wayne de que detenga el proyecto. 

Wayne que no piensa dar marcha atrás la invita a la inauguración de otra obra del arquitecto europeo, una especie de club nocturno hecho de cristal llamado Ceilig. Aprovechando la inauguración hace su irrupción el Joker el cual pretende robar sus pertenencias a todos los millonarios de Gotham allí presentes. Sus planes se ven frustrados cuando aparece en escena un extraño personaje enmascarado llamado Exacto. Éste anuncia que el club nocturno está por derrumbarse y que tienen poco tiempo para salvarse. Como es de esperarse, perdemos de vista a Wayne y Batman entra en escena. Batman ayuda a sacar a la gente y se pelea un poco con el Joker que finalmente cae al vacío sonriendo como el psicópata que es. También al principio de la historia se nos presenta a un periodista llamado Richard Frank que al haber estado en el lugar del derrumbe de la grúa se le encarga cubrir el caso de la estación y luego recibe ayuda del misterioso Exacto para lograr dar con un sindicalista mafioso llamado Bart Loar, el cual estaría involucrado de alguna manera en los derrumbes. El último personaje que conoceremos es a Garnett Greenside, el hijo del arquitecto de la estación original, el cual desconoce el paradero de su padre que se encuentra desaparecido hace unos días. 

El Joker tiene una pequeña participación en la historia.

A partir de acá se empiezan a plantear los interrogantes ¿Quién es Exacto? ¿Cómo sabía que la estructura del club nocturno iba a colapsar? ¿Qué tiene que ver el hijo del arquitecto en todo esto? ¿Cuál es la responsabilidad de Loar respecto a los derrumbes? Toda una historia detectivesca con misterios por resolver, personajes sospechosos y una dama en peligro. El comic es corto, y de fácil lectura, lo cual lo hace una obra muy interesante y recomendable para cuando no tenemos ganas de leernos un arco argumental larguísimo en el contexto de un universo mucho mayor. Este comic puede leerse sabiendo cosas muy básicas de Batman, de hecho solo debemos saber, quien es Bruce Wayne, quien es el Joker y quien es Alfred. Listo, a disfrutar. No voy a spoilear nada más de la historia porque esto es una recomendación, les estoy diciendo, si pueden conseguirla, léanla, vale la pena. 

El misterioso personaje enmascarado Exacto.

Fuera del tema de la trama en sí, el comic es muy interesante respecto a la estética. Los dibujos de Taylor son excelentes, el nivel de detalle en ciertos momentos es abrumador. Taylor nos hace sentir que estamos en Gotham rodeados de sus imponentes rascacielos. Hay ciertos dibujos que son memorables: el club nocturno de cristal sobre la ciudad de Gotham, la vista de la ciudad como un vacío hacia el cual el Joker cae o  la oficina del hijo del arquitecto son alguno de los ejemplos de estos dibujos increíblemente detallados. Otra cosa que me encantó es que el dibujo es prácticamente en blanco y negro con solo unos pequeños detalles a color. Es un detalle pequeño pero a mi criterio muy interesante, que si bien se ha usado en otros comics, nunca está demás, pero esto es una apreciación personal. La estética del comic además es interesante porque nos hace sentir que estamos leyendo un comic de Batman de los años '40. El traje de Batman, la máscara, el símbolo e incluso sus batidispositivos nos recuerdan elementos típicos de mediados del siglo veinte. Lo mismo sugiere el ambiente en el que transcurre la historia dado que por ejemplo la arquitectura de Gotham y los autos que se pueden ver en la calle, son típicos de esa época.  Es también un gran detalle el hecho de que la historia acompaña exactamente esa estética, es una historia simple que vuelve a las raíces de Batman, el detective que enfrenta mafiosos. Incluso es interesantísimo el detalle de ver al justiciero probar distintos dispositivos a lo largo del desarrollo de la historia, como si estuviera durante los inicios de su carrera.

La estética de Batman nos recuerda fuertementa los años ´40.

 En fin, no quiero extenderme más, siento que muchas cosas no son tan fáciles de transmitir porque preferiría que las experimenten cuando lean este comic. Una historia simple pero interesante y una estética exquisita, hacen de Batman: Arquitectura Mortal un comic más que recomendable tanto para aquellos a los que les encanta Batman como para quienes nunca leyeron nada del murciélago.

All Star Superman (DC, 2008-2010)

Portada de All Star Superman #1.
La belleza de Superman sentado, observando
Metrópolis desde las nubes, es increíble.

¿Qué hace falta decir de Superman? Superman es el origen de todo. Usando un poco de jerga científica, Superman es el holotipo del superhéroe (holotipo hace referencia al ejemplar que se usa para definir una especie en ciencias biológicas, y que se utiliza como patrón para calificar e incluir dentro de esa categoría a todos los otros ejemplares). Si Joe Shuster y Jerry Siegel no hubieran imaginado al Hombre de Acero, la historia moderna no tendría mitologías modernas.

A principios de la década de 1990, ya con un Superman que acumulaba más de 50 años de historias y con canas bastante visibles a los costados de su cabeza, se discutía acerca del papel del personaje en tiempos más modernos. ¿Superman está pasado de moda? ¿Superman representa ideales inocentes, más propios de una época más naif? ¿Superman es tan solo un símbolo de Estados Unidos? Estas son algunas preguntas y discusiones que pasan por la cabeza de cualquiera que se introduce en una charla sobre Superman incluso hoy.

Para responder a eso, y demostrar la importancia de este ícono, Grant Morrison escribió All Star Superman.  Debo reconocer que la primera vez que leí esta historia no comprendí su dimensión. Fue una de las primeras cosas que leí dentro de DC, y pensaba que era otra versión del clásico origen de Superman que ya nadie desconoce. No sabía quién era Morrison, pero sin embargo, me pareció una historia muy linda, muy completa. Pero de a poco, volviendo a ver cada página, cada línea de diálogo, me iba gustando, y más, y más.

Primero metámosnos un toque con lo técnico: dibujada por Frank Quitely, All Star Superman narra una historia en doce capítulos sobre lo que podrían ser los últimos días de Superman, realizando antes de su muerte, doce legendarios trabajos (emulando las míticas doce tareas del Hércules de los mitos griegos). Equivale a lo que en DC Comics suelen llamar un "Elseworld", una historia paralela, no centrada en la continuidad oficial de su Tierra Uno. A lo largo de la episodios, Superman se enfrenta a diversos problemas, y la galeria de secundarios y villanos más clásicos del hombre del mañana desfila por las páginas. No falta su eterna relación con Lois Lane, su siempre amigo Jimmy Olsen, o su perfecta némesis Lex Luthor. Pero Morrison, como siempre hace, va más allá.

Superman vuela, magistralmente, hacia el Sol, en la segunda
página de la historia.

La historia está plagada de homenajes al mayor ícono de la cultura popular, en cada viñeta, en cada detalle, Morrison agrega referencias a todas las épocas por las que atravesó el Último Hijo de Krypton. Ahí está la magia de la Edad Dorada, los primeros años del héroe, las indescriptibles aventuras transvestidas de Jimmy Olsen en la inocencia no tan inocente de los años '60, la intrépida Lois Lane periodista, las historias cienciaficcionistas de los '50, el terrible Doomsday que alguna vez logró lo que Lex Luthor nunca pudo, el mismo Lex demostrando las razones que lo hacen el perfecto villano para este héroe, Kandor la ciudad embotellada de Krypton, Krypto, Perry White, Jor-El y Lara, Bizarro, y muchísimo más.

Superwoman y Superman en la Luna, All Star Superman #3

Frank Quitely se luce. Y se luce muchísimo. Su retrato de Clark Kent como un grandote torpe, humano, con la mirada siempre distraída, hace que incluso el lector caiga en ese mágico embrujo que produce Clark al ocultar su otra personalidad. Y cuando Quitely dibuja a Superman genera una imagen sublime. No sólo brillante, sublime. El Superman de Quitely es un extraterrestre más humano que cualquier habitante de la Tierra. Quitely logra crear un ícono con su dibujo, genera lo más cercano a una imagen religiosa. Superman brilla. Superman es Jesús hablándole a la multitud durante del sermón de la montaña. Superman es Hércules separando las rocas para crear el peñón de Gibraltar, es Jasón atado al mástil mientras cantan las Sirenas. Superman es la acumulación de todos los héroes mitológicos y de todas las figuras religiosas. Y todo eso gracias a Morrison y Quitely. 

Superboy y Krypto, lado a lado, en All Star Superman #6.

Algunas escenas de la historia logran generan una emoción superlativa: gracias al Super-Suero preparado por el superhéroe, Lois Lane se transforma en Superwoman por 24 horas, y por un día completo ambos personajes disfrutan completamente de su amor. El beso en la Luna de Lois y Clark es un broche emotivo que puede tocar fibras profundas. Todo el episodio de Superman atrapado en Mundo Bizarro está lleno de aventura y diversión, y la excelente incorporación del Bizarro-Bizarro "Zibarro", el bizarro inteligente, condenado a vivir en un mundo de bizarros tontos generan una muy linda historia. Superman en sus primeros años, cuando era Superboy, otra vez desde la Luna, observando la Tierra, pero esta vez acompañado por su fiel perro Krypto, hacen sacar una lágrima hasta a la persona más dura.

Grant Morrison logra escribir un increíble homenaje a toda la historia del Hombre de Acero, y al mismo tiempo escribir quizás la mejor historia del personaje.

All Star Superman es un viaje increíble, emocionante, y por sobre todo, es un cómic hermoso. Creo que esa es la palabra que mejor lo califica. Hermoso.

¿Qué se puede agregar a esta imagen?

Batman, Inc. (DC, 2010-2011)

El genial Grant Morrison (quizás el mejor guionista de cómics de la actualidad) lleva desde 2006 desarrollando un largo camino con Batman, el cuál está llegando a su fin por estas fechas, más de 6 años después. Por eso es lógico que uno se sienta algo "desclimatizado" si hace como yo, que agarro una serie spin-off surgida de su trayecto principal en la serie central del murciélago. Sin embargo, esta historia es completamente disfrutable sin la carga adicional (que seguramente le añadirá un plus), tanto para el fanático de Batman, como para el lector de cómics asiduo o el ocasional. 

La premisa es sencilla, Batman se da cuenta que su cruzada no puede quedar limitada a sí mismo, y comienza un viaje a lo largo del mundo con la intención de reclutar algo así como "Batmans regionales" y agrandar lo que sería la Batfranquicia en el mundo (que ya no es algo de un solo hombre, si tenemos en cuenta la presencia de Robin, Batgirl, Catwoman y otros menos conocidos para el público general). De esta forma, Morrison nos lleva de viaje para acompañar a Bruce Wayne por Japón, Argentina, las Islas Malvinas, África, Australia, Dakota del Sur, etc. Así la historia va presentando personaje tras personaje, muchos de ellos rescatados de los años dorados de Batman, otros creados para la ocasión, pero siempre con reminiscencias a la Silver Age que tanto le gusta a Morrison.

La historia avanza con velocidad (aunque a veces demasiado rápido), resolviendo en dos o tres números distintos eventos, siempre conectados entre sí, con un villano en las sombras de todo, con un nombre "Leviatán", pero del que no sabemos mucho más. Todo nos lleva hasta un final de grandes proporciones, donde todos los personajes que fuimos conociendo se juntan cuando se revela la verdad detrás del villano, dejando un final al estilo cliffhanger que nos dan ganas de esperar la segunda temporada.

El Guacho, Batman Inc #3

Los dibujantes acompañan bastante, especialmente Chris Burnham, una especie de clon de Frank Quitely (gran compañero de andanzas de Morrison), y sobre todo en el número dedicado a la Batwoman de los años '50, realizando viñetas con un estilo clásico, pero a su vez (en palabras del guionista) intentando emular el estilo del dibujante argentino Alberto Breccia. Yanicke Paquette es un dibujante cumplidor que llena todas las viñetas, pero con un trazo más tosco que lo diferencia de Burham. El aspecto que le dan a El Gaucho, personaje argentino, y a Buenos Aires, que recuerdan a una película de El Zorro es un punto bastante flojo para un guionista generalmente informado.

Batwoman, en Batman Inc #4

El punto más alto de toda la trama a mi gusto son la historia antes mencionada de la vieja Batwoman (incluyendo a la moderna encarnación del personaje) y la historia de Batgirl en Inglaterra (que si bien es el comienzo del especial Leviathan Strikes!, probablemente fue pensado originalmente como un número individual). Su punto más flojo es el último número de la serie principal, con la participación de Oracle, desarrollado en un mundo virtual, plagado de dibujo digital (que recuerda al repelente Batman Digital Justice de 1990). 

Personalmente, cuando empecé a leer el tomo me sentí como si hubiera caído en el clímax de una película ya empezada, cuando llegué al final me sentí como que había visto la segunda parte de una trilogía (como cuando el rayo hace desaparecer al Doc y Marty se queda solo en 1955). Esto no hace más que tentarme a buscar más acerca de este viaje de Morrison en las aventuras del Murciélago de Gotham.

Destaco la muy linda edición tapa dura de ECC España que incluye el one-shot Batman: The Return (2011), el volúmen 1 de ocho números de la serie Batman Incorporated y el prestige (casi un Annual de la serie) Batman Inc.: Leviathan Strikes! (2012). Con estos 10 cómics queda completa la primera historia (o la primera temporada) de esta serie.